レコード、LP、アルバム、再発行
悲惨なブラジルのボーカルセンセーションディラ（発音： "ジーラ"）による、自己称号付きのブラジルソウルクラシックの180グラムのリイシューを1970年にリマスターしました。ダーヴァルフェレイラと彼のスタジオバンド、Os Grilos（The Crickets）がアレンジおよびプロデュースするこのアルバムは、1960年代後半から1970年代初頭のリオデジャネイロの貧民街の正真正銘のソウルフルなサンバサウンドの宝石です。
The city of Belém, in the Northern state of Pará in Brazil, has long been a hotbed of culture and musical innovation. Enveloped by the mystical wonder of the Amazonian forest and overlooking the vastness of the Atlantic Ocean, Belém consists of a diverse culture as vibrant and broad as the Amazon itself. Amerindians, Europeans, Africans - and the myriad combinations between these people - would mingle, and ingeniously pioneer musical genres such as Carimbó, Samba-De-Cacete, Siriá, Bois-Bumbás and bambiá. Although left in the margins of history, these exotic and mysteriously different sounds would thrive in a parallel universe of their own. I didn’t even know of the existence of that universe until an Australian DJ and producer by the name of Carlo Xavier dragged me deep into this whole new musical world. Ant it all began in Belém do Pará. Perched on a peninsula between the Bay of Guajará and the Guamá river, sculpted by water into ports, small deltas and peripheral areas, Belém had connected city dwellers with those deeper within the forest providing fertile ground for the development of a popular culture mirroring the mighty waters surrounding it. Through the continuous flow of culture, language and tradition, various rhythms were gathered here and transformed into new musical forms that were simultaneously traditional and modern. Historically marginalized African religions like Umbanda, Candomblé and the Tambor de Mina, which had reached this side of the Atlantic through slaves from West Africa – especially from the Kingdom of Dahomey, currently the Republic of Benin – left an indelible stamp on the identity of Pará´s music. They would give birth to Lundun, Banguê and Carimbó, styles later modernised by Verequete, Orlando Pereira, Mestre Cupijó and Pinduca to great effect. The success of these pioneers would create a solid foundation for a myriad of modern bands in urban areas. Known as the “Caribbean Port,” Belem had been receiving signal from radio stations from Colombia, Surinam, Guyana and the Caribbean islands - notably Cuba and the Dominican republic - since the 1940s. By the early 1960s, Disc jockeys breathlessly exchanged Caribbean records to add these frenetic, island sounds to liven up revelers. The competition was fierce as to who would be the first to bring unheard hits from these countries. The craze eventually reached local bands’ repertoires, and Belém’s suburbs got overtaken by merengue, leading to the creation of modern sounds such as Lambada and Guitarrada. To reach a larger audience, the music needed to be broadcast. Radios began targeting the taste of mainstream audiences and played music known as “music for masses.” As the demand for this music grew, it led to the establishment of recording companies. Belém’s infant recording industry began when Rauland Belém Som Ltd was founded in the 1970s. It boosted a radio station, a recording studio, a music label and had a deep roster of popular artists across the carimbó, siriá, bolero and Brega genres. Another important aspect in understanding how the musical tradition spread in Belém, are the aparelhagem sonora: the sound system culture of Pará. Beginning as simple gramophones connected to loudspeakers tied to light posts or trees, these sound systems livened up neighbourhood parties and family gatherings. The equipment evolved from amateur models into sophisticated versions, perfected over time through the wisdom of handymen. Today’s aparelhagens draw immense crowds, packing clubs with thousands of revelers in Belém’s peripheral neighbourhoods or inland towns in Pará. The history of "Jambú e Os Míticos Sons Da Amazônia" is the history of an entire city in its full glory. With bustling night clubs providing the best sound systems and erotic live shows, gossip about the whereabouts of legendary bands, singers turned into movie stars, supreme craftiness, and the creativity of a class of musicians that didn’t hesitate to take a gamble, Jambú is an exhilarating, cinematic ride into the beauty and heart of what makes Pará’s little corner of the Amazon tick. The hip swaying, frantic percussion and big band brass of the mixture of carimbó with siriá, the mystical melodies of Amazonian drums, the hypnotizing cadence of the choirs, and the deep, musical reverence to Afro-Brazilian religions, provided the soundtrack for sweltering nights in the city’s club district. The music and tales found in Jambú are stories of resilience, triumph against all odds, and, most importantly, of a city in the borders of the Amazon who has always known how to throw a damn good party. “Jambú is a plant widely used in Amazonian and Paraense cuisine. Known for having an appetitestimulating effect, it is added to various dishes and salads but is most famously one of the main ingredients in Tucupi and Tacacá, two delicacies that have been immortalized in countless Carimbó songs. Chewing the leaves of the Jambú plant will leave a strong sensation of tingling on the tongue and lips. Indigenous communities have relied upon its anaesthetic qualities for centuries as an effective remedy against toothaches and as a cure for mouth and throat infections. A decade ago, a distillery from Belém discovered the euphoric effects of the Jambú plant when combined with distilled sugarcane based spirit - known as cachaça - and created the now legendary “Cachaça de Jambú“.
コーブルンドの11枚目のスタジオアルバムは、ついに彼が長年にわたって培ってきたジャンルに名前を付けました。多くの世代のロデオライダーと牧場主の子孫として、彼と彼の祖先が自分たちを導いた人生について歌い、これを今ここでの機知に富んだ皮肉な観察と対にしています。
Xeniaの最初のソロアルバムは、今日のブラジルからの欠かせないアルバムで、黒いディアスポラのサウンドに敬意を表しており、ジャズ、サンバ、R＆B、エレクトロニックフレーバーとソウルフルな音楽を巧みに組み合わせています。 XeniaFrançaはブラジルのバイア州出身です。彼女は、デビューアルバム「ゼニア」のラテングラミー2018と、リスナーに非常に人気の高い曲「プラケミーチャマス？」にノミネートされました。アフリカ系ブラジル人の文化の活性化と普及に捧げられたアートシーンの一部として、歌手は、特に黒人女性の間で、女性のエンパワーメントと行動の基準となりました。 XeniaはRecbeat、Coala、Coma、Queremosなどのブラジルの主要なフェスティバルで演奏しています。 2018年には、ニューヨークのセントラルパークサマーステージに参加し、フィラデルフィアやコロンビアのメデインにあるパブロトブロンシアターにも出演しました。
4年前にリリースされた最後のアルバム「Citizen Of Glass」以来、人々はアグネスオベルの多くの才能について知っています。 2020年、デンマークの歌手、ミュージシャン、ソングライター、プロデューサーがニューアルバム「Myopia」をリリースしました。ドイツグラモフォンからリリースされます。そして、最初のシングルリリース "Island Of Doom"でも、実験への意欲とObelの多様な側面はこれまでになく素晴らしいです。 「近視」では、予約されたピアノのメロディーが混乱したサウンド構造に出会い、シンガーソングライターのポップがクラシック音楽に出会います。それに加えて、歌手の繊細で繊細な声。そして、これらのすべてを完璧に発展させるために、彼女はベルリンのホームスタジオで独創的な隔離を自身に処方し、そこで新しいレコーディングテクニック、サウンド、楽器を試しました。
The Kenyan music scene is one of the most diverse and vibrant in Africa. However, ask any Kenyan which pop music style truly represents Kenya as a nation and there is only one possible answer: benga. Benga is a pop style with its roots in traditional rhythms, instruments, and melodies. Luo musicians from western Kenya brought the style to prominence in the late 60s but other cultural/linguistic groups in other parts of Kenya quickly developed their own localized variants. With its pulsing beat, interlocking guitars, extended solos, and rapid-fire bass, benga music has dominated the Kenyan music scene over most of the post-colonial period. Kakai Kilonzo is one of only a handful of benga artists to attract a broad following across Kenya. He opened up his music to others outside his Kamba language and background by singing in Swahili, which is widely understood throughout Kenya. At the same time, with catchy melodies and engaging lyrics, Kakai sang about subjects that all Kenyans can relate to: songs on all aspects of love and marriage, on social responsibility, societal ills (like drinking and witchcraft), moral guidelines, national unity, economic development, and more. The songs on this compilation are taken from across Kakai's recording career, spanning from the mid-1970s to the mid-1980s, shortly before his illness and untimely death in early 1987, aged only 33. No Wahala Sounds are proud to present this selection of hard-to-find 45s from Les Kilimambogo Brothers, which are being released on vinyl here, for the first time outside Kenya.
フラフラの父とアキムの母に生まれ、彼は少年としてフラフラの地でガーナ北部のサバンナに登る前に、南アフガニスタンの熱帯雨林で育ちました。彼は父親の出身の村であるナムオで育ち、村の教会での礼拝中に経験した輝かしい瞬間に深く感銘を受けました。 2013年、1月のヴァイセンフェルトは、ドイツのミュージシャンの同僚と一緒にガーナを訪れ、Alogte Oho＆His Sounds of JoyとエコマスターのGuy Oneと一緒にガーナを訪れました。このツアーの間、彼は数十のAlogteの曲を知るようになりました。フォローアップシングル「Mam Yinne Wa」は2016年にリリースされた。ローカルでリリースされたバージョンがフラゴのゴスペル歌手の間でアログテを前面に押し出したのと同じように、この新しく作成されたバージョンは彼をグローバルプレーヤーにしました。
Repress! With this release, Comb & Razor Sound launches its exploration of the colorful world of popular music from Nigeria, starting with the post-disco era of the late 1970s and early 80s. The years between 1979 and 1983 were Nigeria's Second Republic, when democracy finally returned after twenty-three years of uninterrupted military dictatorship. They were also the crest of Nigeria’s oil boom, when surging oil prices made the petroleum-producing country a land of plenty, prosperity and profligacy. The influx of petrodollars meant an expansion in industry and the music industry in particular. Record companies upgraded their technology and cranked out a staggering volume of output to an audience hungry for music to celebrate the country’s prospective rise as global power of the future. While it was a boom time for a wide variety of popular music styles, the predominant commercial sound was a post-afrobeat, slickly modern dance groove that retrofitted the relentless four-on-thefloor bass beat of disco to a more laidback, upbeat-and-downbeat soul shuffle, mixing in jazz-funk, synthesizer pop and afro feeling. At the time, it was still mostly locally referred to as “disco,” but has since been recognized as its own unique genre retrospectively dubbed “Nigerian boogie.” A Brand New Wayo: Funk, Fast Times and Nigerian Boogie Badness collects 15 pulsing Nigerian boogie tracks in a lovingly compiled package chronicling one of the most progressive and creative eras in the history of African popular music.
カナダのシンガーソングライターOh Susanna、別名Suzie Ungerleiderが、MVKAで彼女の見事な、絶賛されているセカンドアルバムSleepy Little Sailorのデラックス版をリリースしています。アルバムは、CD、デジタル、そして初めてのビニール盤で入手可能になります。オリジナルの11曲には、アルバムからの未リリースのアコースティックソング5曲が含まれています。これには、すでにシングルとしてリリースされているタイトルトラックも含まれます。アルバム「スリーピーリトルセーラー」はもともと2001年にリリースされ、音楽的にはオルタナティブカントリー、ロック、フォークの中間にありました。当時、Der SpiegelはカウボーイジャンキーとLucinda Williamsとの比較を描きました。
ジンバブエのニャマパンダ出身のゾンケ家のメンバーは、ムビラ家に属するラメラフォノの一種であるマテペの数少ないマスターミュージシャンの1人です。この複雑な連動音楽は、各楽器で4本の指を使って演奏されます。各指は独立したリズムパターンを使用し、リスナーの耳に多くの心理音響的トリックを実行します。マテペのアンサンブルがスタジオアルバムに収録されたのはこれが初めてです。このアルバムがこの音楽を新しい聴衆に届けるためのステップであり、その保存への貢献であることを願っています。
Ayalew Mesfinは、1970年代のエチオピアの伝説として、Mulatu Astake、Mahmoud Ahmed、Hailu Mergia、Alemayehu Esheteのようなものと並んでいます。メスフィンの音楽は、この征服できない東アフリカの国から生まれる最もファンキーなものの一部です。 Mesfinのレコーディングキャリアは、約24の7インチシングルと多数のリールトゥリールテープに収められており、独立した新興企業と企業の巨人の両方によってレコードが絶えず押し付けられた、エチオピアの20世紀のレコーディング業界で最も肥沃な10年間の階層を示しています。彼らがこの東アフリカの国の範囲内でのみ配布された場合。メスフィンは1974年にエチオピアを支配したダーグ政権によって地下に追い込まれましたが、彼はこの勝利を収めたセットアルバムで約50年後に戻ってきました-彼の音楽がこの形式で発表されたのは初めてです。 Mesfinの超レア7インチシングルリリースと、マスターテープからとった未リリースのレコーディングから構築されたアンソロジーで、音楽の歴史の中で珍しく美しい瞬間を発見してください。 Good Aderegechegnは、彼の超レアな7インチシングルリリースから構築されたアンソロジーで、音楽の歴史の中で珍しく美しい瞬間を発見する機会を与えてくれます。現代のエチオピア音楽とその中でのメスフィンの役割を物語る、特大の11 "x 11" 16ページの本が含まれています。
Metronomy, the effective alias of the talented Joseph Mount, have thus far released three albums, starting with the jagged electro manoeuvres of their debut ‘Pip Paine (Pay The £5000 You Owe)’, through to their two albums on Because, ‘Nights Out’, where Mount first sang, and last year’s brilliant Mercury-nominated ‘The English Riviera’. As a pop group, Metronomy that are more Four Tet than Fab Four, though with a sense of adventure that would’ve made the Fabs proud. Their outing under the Late Night Tales banner journeys through the inspirations of the bands’ ever moving sound – along with a few surprises. Mount’s old favourite Autechre is present and correct, but then so are Kate and Anna McGarrigle and the Sun Ra of hip hop Sa-Ra Creative Partners. Joining Sa-Ra on the hip hop front, we’ve got Tweet’s ace ‘Drunk’ from her Hummingbird album alongside OutKast ‘Prototype’, spiced with some Doctor Octagon. For pure pop, they don’t come more refined than Alan Parson’s ‘Eye In The Sky’, who is buffeted by outbreaks of unsettling weirdness, among them the sadly departed Mick Karn’s supple bass figurines on ‘Weather The Windmill’ or Tonto’s Expanding Head Band – the guys that brought the funk to synthesizers with Stevie Wonder – and ‘Cybernaut’. And just when you think you’ve got it figured, Pete Drake arrives with his 1964 pedal steel novelty hit ‘Forever’. This is a maze rather than a journey. Naturally enough, there is the Late Night Tales special with a sparkling Metronomy rendition of Jean-Michel Jarre’s ‘Hypnose’. We’ve always had a soft spot for Devon and her cobbled street delights, but seen through the prism of Joseph Mount, it takes on a new hue that makes Brigitte Bardot and that other, lesser, Riviera seem somehow pallid. To paraphrase Buzzcocks: another music in a different riviera.
The multi-instrumentalist Jack Wyllie (Portico Quartet/Szun Waves) presents his new project Paradise Cinema. It was recorded in Dakar, Senegal in collaboration with mbalax percussionists Khadim Mbaye (saba drums) and Tons Sambe (tama drums). The impressionistic and dream-like quality of 'Paradise Cinema' is a stunningly effective realisation of Wyllie's experience, in ahypnagogic state of aural consciousness: "I had a lot of nights in Dakar, when the music around the city would go on until 6am. I could hear this from my bed at night and it all blended together, in what felt like an early version of the record." Atmospherically 'Paradise Cinema' is vaporous and enigmatic, but also percussive; existing in a paradoxical sound-space that's amorphous,yet still purposeful, serene, but propulsive and aesthetically sharp. Khadim Mbaye and Tons Sambe, provide the rhythmic backbone of the record. There are traditional elements of mbalax rhythm, but it is often deconstructed or played at tempos outside of the tradition, so while it hints at a location it occupies a space outside of any specific region. 'Paradise Cinema' is also informed by notions of hauntology – a philosophical concept originating in the work of French philosopher Jacques Derrida– on possible futures that were never realised andhow directions taken in the past can haunt the present. On the album's title Wyllie comments, "there are a handful of old cinemas in Dakar – these big modernist buildings dotted around the city built around independence. They're old and derelict now, but feel to me like monuments to that period, when the city was flooded with utopian ideas about its potential futures." As such it sits closely to 4thworld music – situated in an imagined culture and time that never came to pass. And while it contains rhythmic references to Senegal it combines these elements with ambient and minimalist music to produce a sound that sits outside of any tradition. Setting the tone for the long-player's themes is the optimism-driven, balmy beauty of 'Possible Futures', where rich-toned drums throb and levitate in a stratospheric ether. Like a time-lapse video of plants in bloom, 'It Will Be Summer Soon' is the sound of anticipation and growth. Rhythmically it flickers and flutters, evoking rainfall, or the blurred wings of a bird in in flight. Casamance moves through field recordings drifting in and out of focus, beats pitched-down low and unfurling saxophone, whilst the ambient 'Utopia' was made mainly with processed saxophone and suggests a longing for a perfect world. Galloping percussion juxtaposes with a wistful mood on 'Liberté' – a title that referencesa derelict modernist cinema in Dakar of the same name– a hauntological landmark, made more poignant by the its name being part of the French national motto. Tying into the cover artwork, Jack explains, "the 'Digital Palm is a telecommunications mast disguised as a palm tree in central Dakar. As a modern piece of technology that on first glance looks natural, it mirrors the combination of modern and acoustic elements." Perhaps eliciting a time that never came, or maybe still in hope of it yet to come, 'Eternal Spring' concludes the LP's otherworldly beauty with hypnotic drums powering a subtly-building, sparkling and powerful crescendo. Jack Wyllie is a musician, composer, electronic producer who draws on influences of jazz, ambient, and the trance-inducing repetition of minimalism. Wyllie performs and records in Portico Quartet, Szun Waves (withLuke Abbott and Laurence Pike)and Xoros. He has also collaborated with Charles Hayward, Adrian Corker and Chris Sharkey and released on Ninja Tune, Babel, Leaf, Real World and Gondwana. Khadim Mbaye and Toms Sambe play in various mbalax groups in Dakar. Khadim has also toured internationally with Cheikh Lo.
「Transmissions：The Music of Beverly Glenn-Copeland」は、信じられないほどエキサイティングな発見の音楽の旅で、76歳のアメリカ系カナダ人のシンガーソングライターであり、同名のトランスジェンダー活動家であり、現在はロビン、ダンスナイス、別名カリブー、ザXX歌手のロミー・マドリー・クロフトが大好きです。様式的には、ジャズ＆ブルースからフォーク、ポップ、エレクトロニクスまで、常にこの天国の声を伴って描かれています。 SüddeutscheZeitungは、このミックスを「一種の精神的な減速ポップ」と呼び、可能な限り最高の意味でそれを意味します。アントニー＆ジョンソンズのファンには絶対にお勧め！アルバムは、ゲートフォールドカバーのLP +7インチとして黒のヘビーウェイトビニールに表示されます。同封のダウンロードコードは、CDおよびデジタルで入手可能な「ALittleTalk」および「Erzili」を含むすべての曲へのアクセスを許可します。
Back in stock! Akiko Yano's Cult Second Studio Album from 1977 featuring the Cream of Tokyo and New York Musicians in Funk Mode. Wewantsounds continues its Akiko Yano reissue programme with the release of "Iroha Ni Konpeitou," another superb Akiko Yano album and one of her funkiest, highlighting her unmissable singing and songwriting talents. Recorded in Tokyo and New York City, the album features a superb line up of the best musicians from both cities and sees Yano mixing Japanese pop with funk and a touch of electronics, playing a wide array of keyboards programmed by YMO synth wizard Hideki Matsutake. This is the first time the album is released outside of Japan and this deluxe LP edition includes remastered sound, download card plus the original 4-page insert with poster, lyrics and full line-up. "Iroha Ni Konpeitou" is perhaps Akiko Yano's best known album in the Western world not just because of its striking front cover - a shot by famed photographer Bishin Jumonji featuring Akiko holding an inflatable dolphin (legend has it all the props and clothes were borrowed from the set of an Issey Miyake ad), but because the album is one of Akiko's funkiest ones. A slick mix of Japanese Pop and New York funk, the album was recorded in Tokyo except for the "Iroha Ni Konpeitou" title track which was recorded in NYC with an all-star line-up consisting of Rick Marotta, David Spinozza, Will Lee and Nicky Marrero. For the rest of the album, Akiko is accompanied by some of the best musicians from the Tokyo music scene gravitating around the groups Happy End and Tin Pan Alley: the ubiquitous Haruomi Hosono on bass, Tatsuo Hayashi on drums, Shigeru Suzuki on guitar to name just a few. Interestingly two Hosono compositions are featured on the album, "Ai Ai Gasa" which he recorded on his 1973 landmark debut "Hosono House" and "Hourou" originally recorded in 75 by singer and musician Chu Kosaka (on the eponymous album “Horo”). Last but not least Hideki Matsutake is handling the keyboard programming duties on the album as Yano is playing a wide array of keyboards: Moog IIIc, Mini Moog, String Ensemble, on top of the Fender Rhodes, Clavinet, Yamaha CP7C. Matsutake would soon become programmer in chief for YMO, touring and playing with them around the world (like Yano herself). Although the album feels very accessible and funky, there are complex keyboard layers underneath as on the first short introduction 'KAWAJI', a short electro fantasy, or on such tracks as "Ai Ai Gasa" and “Kino Wa Mou" on which Akiko is playing bass with her Moog, making the album a richly textured and inventive one once you scratch its surface. The tracks on the album flow effortlessly also highlighting Akiko Yano's superb songwriting and knack for creating fascinating pop song. "Iroha Ni Konpeitou" sounds as fresh and beautiful as when it first came out more than forty years ago and will please the growing circle of Akiko Yano fans around the world as a welcome addition to her brilliant discography.
Ayalew Mesfinは、1970年代のエチオピアの伝説として、Mulatu Astake、Mahmoud Ahmed、Hailu Mergia、AlemayehuEsheteなどを脇に置いています。メスフィンの音楽は、この征服不可能な東アフリカの国から生まれた最もファンキーなもののいくつかです。 Mesfinのレコーディングキャリアは、約20の7インチシングルと多数のリールツーリールテープでキャプチャされ、エチオピアの20世紀のレコーディング業界で最も肥沃な10年間の層を示しています。このとき、レコードは独立した新興企業と企業の巨人の両方によって絶えず押されていました。それらがこの東アフリカの国の範囲内でのみ配布された場合。 1974年にエチオピアを支配したデルグ政権によってメスフィンは地下に追いやられましたが、彼の音楽がこの形で発表されたのは初めての、この勝利のセットアルバムでほぼ50年後に戻ってきました。これらのアルバムは私たちにMesfinの超レアな7インチのシングルリリースとマスターテープから取られた以前にリリースされていないレコーディングから構築されたアンソロジーで、音楽の歴史の中で珍しくて美しい瞬間を発見してください。ウェジーンは、彼の超レアな7インチのシングルリリースから構築されたアンソロジーで、音楽の歴史の中でレアで美しい瞬間を発見する機会を与えてくれます。現代のエチオピア音楽とその中でのメスフィンの役割の物語を伝える特大の11 "x 11" 16ページの本が含まれています。
スウェーデンのインディーレーベルIconsCreating Evil Artは、キャプテンビーフハート、ニックケイブ、トムウェイトの足跡をたどる、スウェーデン出身の部外者で孤独なオオカミ、オールドケリーマッキーのセカンドアルバム「MonoSecular Sounds」を発表します。独特の、気難しいパンクなホーボーアートは、フォーク、ブルース、ブラックメタルをミックスしています。それでも、彼のホラーブルーは常に美しく、ダイナミックで、奇妙な、胃を回すような方法で魂に満ちています。 CDと限定された、手作業で番号が付けられた180gのビニール。 「ジョアキムは、結果として悲劇と憂鬱に満ちた息を呑むような歌で彼の悪魔と戦うようです。」 -脱調
Hermeto Pascoal＆Grupo、Leonardo Marques、Xenia Franca and Moons、180g、そして伝説的なDisk Unionによる高く評価されたリリースに続き、Rio deJaneiroのGusLevy：Magiaによるこの素晴らしいサイケデリックでファンキーなポップアルバムで、今日のブラジルの音楽シーンの最高を探求し続けています。マギア。
1976年にSoutelphanに最初に登場した伝説的なエジプトのミュージシャンOmarEl Shariyiによるインストルメンタルカルトクラシックは、初めてビニールで再リリースされます。象徴的なエジプトのミュージシャン兼作曲家は、別のエジプトの伝説、モハメド・アブデル・ワハブによる6つの古典的な作曲を、彼自身の催眠術のカバーバージョンとして記録しています。 FairuzとZiadRahbaniのアルバムの再発行から始まった、アラビア音楽のこの一連の素晴らしい新作は、パリのInstitut du MondeArabeのレバノン生まれのアラビア音楽の専門家MarioChoueiryによってキュレーションされています。この再版はリマスターされており、美しいオリジナルのアートワークが付属しています。
アナログアフリカのレギュラーシリーズ「LaLocurade Machuca 1975-1980」からの30回目のコンピレーションを発表できることを大変うれしく思います。これは、コロンビアで最も非典型的で独特なレコード会社の物語です。DiscosMachucaLa Locura de Machucaは、一人の男の物語です。地下のコロンビアの沿岸音楽への奇妙なオデッセイ、そして彼が表面にもたらすのを助けた野生の催眠術の音。 17のトラックは、以前またはそれ以降に録音された他のほとんどのトラックのように聞こえます。それらは、最初にリリースされた日と同じように、2020年には鮮明に変化することなく、時間や場所の外に存在します。あなたはそれを信じるためにそれを聞かなければなりません。 「LaLocurade Machuca 1975-1980」は、ゲートフォールドカバーとフルカラーの16ページの小冊子が付いた140gのバージンビニールのダブルLPとして提供されます。 CDにはフルカラーの32ページの小冊子が付属しています。
「ThatSantaFe Channel」（2018）に続き、ナッシュビルバンドのATOレコードのセカンドアルバム。リックパーカー（ロードヒューロン、ベック、ブラックレベルモーターサイクルクラブ）がプロデュースし、ロサンゼルスで録音。カントリーロックとサザンロック、フォークとグルーヴィーなロックンロールの爆発的なミックス。 BlackPumasのAdrianQuesadaも、シングル「HighFeeling」のゲームでプロデューサーの指を持っていました。限定、カラービニール+ダウンロードコード
Ayalew Mesfinは、1970年代のエチオピアの伝説として、Mulatu Astake、Mahmoud Ahmed、Hailu Mergia、AlemayehuEsheteなどを脇に置いています。メスフィンの音楽は、この征服不可能な東アフリカの国から生まれた最もファンキーなもののいくつかです。 Mesfinのレコーディングキャリアは、約20の7インチシングルと多数のリールツーリールテープでキャプチャされ、エチオピアの20世紀のレコーディング業界で最も肥沃な10年間の層を示しています。このとき、レコードは独立した新興企業と企業の巨人の両方によって絶えず押されていました。それらがこの東アフリカの国の範囲内でのみ配布された場合。 1974年にエチオピアを支配したデルグ政権によってメスフィンは地下に追いやられましたが、彼の音楽がこの形で発表されたのは初めての、この勝利のセットアルバムでほぼ50年後に戻ってきました。これらのアルバムは私たちにMesfinの超レアな7インチのシングルリリースとマスターテープから取られた以前にリリースされていないレコーディングから構築されたアンソロジーで、音楽の歴史の中で珍しくて美しい瞬間を発見してください。 Mot Aykerimは、彼の超レアな7インチシングルリリースから構築されたアンソロジーで、音楽の歴史の中でレアで美しい瞬間を発見する機会を与えてくれます。現代のエチオピア音楽とその中でのメスフィンの役割の物語を伝える特大の11 "x 11" 16ページの本が含まれています。
ベニンを拠点とする伝説的なレーベル、アルバリカストアからの超レアで人気のオリジナルアルバムシリーズの最初のアルバムで、ビニールで再発行されます。もともとは1978年に発行され、当時は保護ケースなしでした。ナイジェリアのラゴスにあるEMIスタジオで録音され、元のテープから転送され、ロンドンのカーベリースタジオでグラミーの勝者フランクメリットによってリマスターされました。
1978年からのこの超レアLPの新版。ロンドンのカーベリースタジオでグラミーの勝者フランクメリットによってリマスターされました。このあいまいなバンドの唯一の既知の録音であり、ベニンの伝説的なアルバリカストアレーベルの広範なカタログがアフロブギとアフロファンクに関して提供しなければならない最高のものの1つです。
"Matasuna Records" has found another musical treat from the African continent for its latest release - a song by the Ghanaian musician "Mawuli Decker". It was released in 1983 on the rare and sought-after album "Ayo Special" and is available for the first time as a 7inch vinyl single, which is supplemented by an edit from "Renegades Of Jazz". The esteemed London label "Kalita Records" was able to provide the audio material for new masters and is also acting as music publisher with the new "Kalita Music Publishing". Mawuli Decker was born in 1949 in Ghana, where he also grew up. His musicality has been given to him from an early age, so that he not only attracts attention as a singer, but also plays drums, percussion and bongo. He played in various dance bands, which were very popular in Ghana especially from the middle of the last century onwards and made the Ghanaian highlife known beyond the borders. He has played in various dance bands such as New Planets, Sawaaba Sounds, The Tops, Caprice 73, The Volta Pioneers and others, which have performed in Ghana and other West African countries. His first release was in 1975 with the band "Dzobi Soundz" on the Polydor label. Further releases of projects with his participation followed, until 1983 when he recorded his album "Ayo Special" at "Otodi Studio" in Lome (Togo) with an illustrious group of musicians. He is still deeply rooted in music and performs in West Africa and is still very active in recording. On the A-side is the original version of the song "Lololi-Lomko", sung in the "EWE" language, which is spoken in the south of Ghana as well as the southern parts of Togo. "Lololi" means "There's Still More Love" and "Lomko" stands for "Please love me" - classical themes that have appeared in countless songs in music history. Although a certain catchiness of the track cannot be denied, it doesn't seem cheesy at any point. Mawuli, who also contributes the vocals, creates perfectly formed harmonies through his compositions and arrangements, which are especially apparent in the bassline, guitars & brass and of course the vocals. This was certainly also the idea behind the edit of "Renegades of Jazz" on the B-side, which did not want to break up and alienate the organic composition. Listening closely reveals the approach: a steady tempo, a more powerful bassline and additional drums and percussions bring the song back directly to where it belongs: to the dancefloors of this world!
限定再リリース-スペースエコー-カボヴェルデの「コズミックサウンド」の秘密がついに明らかに！ 1968年の春、貨物船がボルチモア港から出発し、重要な楽器が出荷されました。彼の最終目的地は、EMSE展示会（ExposiçãoMundialDoSonEletrônico）が開催されるリオデジャネイロでした。南半球で初めての展示会であり、多くの大手電子音楽会社が参加しました。 Rhodes、Moog、Farfisa、Hammond、Korgは、ブラジルとコロンビアが主導する成長している有望な南米市場で、最新のシンセサイザーやその他の機器を展示することに熱心でした。船はケープベルデ諸島の沖合8kmで難破したため、楽器は島に到着しました。このコンピレーションで発表された15曲のうち8曲は、「カボヴェルデの宇宙音」の首謀者でありクリエーターであるパウリノビエイラが率いるバンドVoz de CaboVerdeの支援を受けて録音されました。
これは、Sheba Soundの乗組員の好意により、エチオピアから直接録音された最近の録音です。シェバサウンドは、最先端のポップアップレコーディングスタジオを使用して、地元の才能あるミュージシャンの魅惑的なサウンドをキャプチャしながら、エチオピアの後背地をツアーします。このプロセスは、高く評価され、受賞歴のあるドキュメンタリー、Roaring Abyss、JoaquinPiñeroによってキャプチャされました：https：//www.amazon.co.uk/Roaring-Abyss-Quino-Piñero/dp/B08329VLRL NuAfrique（My45）のライセンスに基づくSheba Soundアーカイブは、エチオピア西部のウェルカイトに拠点を置くSabat Bet Gurage Bandと共に、NebeyuHamdiのクレイジーで未開拓の才能を特徴としています。 2013年のオリジナルのレコーディングは、アディスアベバのインスピレーションを得たマセンコベースの今の男、「ブブ」テクレマリアムからエチオファンクベースラインのオーバーダビング処理を受けています。フルパッケージは、マスターダブプロデューサーのニックマナセ（ルーツガーデン）によってヤードスタジオで究極のミキシングトリートメントを受けます。このEPリリースのB面は、3つの排他的なエチオダブカットを備えています。マナセの深いマセンコベースと部族のドラムリズムのインスピレーションは、オリジナルのダブ処理を通して明らかです。楽器のようにミキシングデスクでトラックを再生すると、完全にユニークな脈動するパンクしたエチオダブリズムトラックが得られます。シャカに気をつけてください-エチオピア人は自分たちのダブカットを町に持ってきています！
マスタリングは、アルバムのスタジオレコーディングのマスターテープから行われました。表紙はオリジナルを再現したものです。カバーは、オリジナル版を可能な限り尊重するために光沢仕上げが施されています。 1981年にリリースされた「SibouOdja」は、若いプロデューサーのイブラヒマ・シラがダカールのゴールデンバオバブで制作したオーケストラバオバブの2番目のスタジオアルバムです。彼らの傑作「MouhamadouBamba」が同じ年に録音された後、「Sibou Odja」は、グループの成功を新しい音楽の10年に推進することによって、セネガル音楽の歴史を再びマークします。強烈なサクソフォニストのイッサ・シソコと取り外せないギタリストのバルセレミー・アッティソの指揮の下、セネガルのサルサ・メドゥーン・ディアロの若い歌手の未来のアイコンは、魅力的な「オートレール」、歌の機関車で彼の傑作の1つを届けます。ダカールとニアミーを結ぶ鉄道の開通。伝統的なセネガルの価値観に根ざしていることと、木の新しい高さに到達する能力の両方を象徴するバオバブは、グループのサウンドは、エレクトリックギターのモントゥーノとウォロフ言語のボーカル即興が微妙に調和するセネガルとアフロキューバの想像の完璧なシンクロリズムですキューバの音と他のボレロのリズム。
グラスウェージアンジェリーシナモンは、近年の英国最大の現象の1つであり、ほとんどすべての主要なフェスティバルでプレーし、2019年だけで115,000枚以上のチケットを販売しました。彼の待望のセカンドアルバム「TheBonny」は、英国とアイルランドのチャートで1位になり、これまでにリリースされていない4曲のデラックスエディションとして利用できるようになりました。ジェリーシナモンの音楽は、ほとんどのアーティストが管理していない方法で世代を超えています-それは関連性があり、あなたはそれと同一視することができ、そしてそれはジェリーを真のストーリーテラーとして確立します。彼の比類のないライブショーは、その特別な雰囲気で知られています。多くの場合、聴衆はまだリリースされていない曲と一緒に歌います。
Nach der ersten "Ekera" EP in 2019 veröffentlicht das Brüsseler Ethno-Jazz-Kollektiv Azmari nun sein Debütalbum auf Sdban Ultra. Inspiriert von Musikern wie Okay Temiz, Mulatu Astatke, Cymande, Fela Kuti und The Heliocentrics präsentieren die sechs Mitglieder aus Belgien und Äthiopien auf "Sama'i" eine hypnotische Melange aus faszinierenden Rhythmen und Improvisationen zwischen Ethno-Groove, Dub, Psych-Funk und orientalischen Melodien, die den Hörer in neue Bewusstseinssphären heben.
Nach seinem vielgelobten, selbstbetitelten Debütalbum setzt das US-Quintett Ranky Tanky aus Charleston, South Carolina, seine Erkundung der traditionellen Gullah-Musik fort ("Gullah" entstammt einer westafrikanischen Sprache und bedeutet "von Gott gesegnete Leute"), die unter den Nachkommen versklavter Afrikaner in der Low-Country-Region des Südostens der USA entstand. Der Nachfolger "Good Time" enthält zwölf neue Songs, darunter lebensbejahende Partysongs, herzzerreißende Spirituals und feinfühlige Gute-Nacht-Lieder. - Hörprobe: https://www.youtube.com/watch?v=sZuCDxwRxFE
Enthält zwei Alben, Femi Kuti's "Stop The Hate" und Made Kuti's "For(e)ward". Jeweils in einer bedruckten Innenhülle mit Custom-Artwork von Delphine Desane Untergebracht in einer Deluxe Hülle Inkl. 8-seitigem Booklet mit Artwork, Fotografien und Texten.
It was in Benin City, in the heart of Nigeria, that a new hybrid of intoxicating highlife music known as Edo Funk was born. It first emerged in the late 1970s when a group of musicians began to experiment with different ways of integrating elements from their native Edo culture and fusing them with new sound effects coming from West Africa´s night-clubs. Unlike the rather polished 1980´s Nigerian disco productions coming out of the international metropolis of Lagos Edo Funk was raw and reduced to its bare minimum. Someone was needed to channel this energy into a distinctive sound and Sir Victor Uwaifo appeared like a mad professor with his Joromi studio. Uwaifo took the skeletal structure of Edo music and relentless began fusing them with synthesizers, electric guitars and 80´s effect racks which resulted in some of the most outstanding Edo recordings ever made. An explosive spiced up brew with an odd psychedelic note known as Edo Funk. That‘s the sound you‘ll be discovering in the first volume of the Edo Funk Explosion series which focusses on the genre’s greatest originators; Osayomore Joseph, Akaba Man, and Sir Victor Uwaifo: Osayomore Joseph was one of the first musicians to bring the sound of the flute into the horn-dominated world of highlife, and his skills as a performer made him a fixture on the Lagos scene. When he returned to settle in Benin City in the mid 1970s – at the invitation of the royal family – he devoted himself to the modernisation and electrification of Edo music, using funk and Afro-beat as the building blocks for songs that weren’t afraid to call out government corruption or confront the dark legacy of Nigeria’s colonial past. Akaba Man was the philosopher king of Edo funk. Less overtly political than Osayomore Joseph and less psychedelic than Victor Uwaifo, he found the perfect medium for his message in the trance-like grooves of Edo funk. With pulsating rhythms awash in cosmic synth-fields and lyrics that express a deep personal vision, he found great success at the dawn of the 1980s as one of Benin City’s most persuasive ambassadors of funky highlife. Victor Uwaifo was already a star in Nigeria when he built the legendary Joromi studios in his hometown of Benin City in 1978. Using his unique guitar style as the mediating force between West-African highlife and the traditional rhythms and melodies of Edo music, he had scored several hits in the early seventies, but once he had his own sixteen-track facility he was able to pursue his obsession with the synesthetic possibilities of pure sound, adding squelchy synths, swirling organs and studio effects to hypnotic basslines and raw grooves. Between his own records and his production for other musicians, he quickly established himself as the godfather of Edo funk. What unites these diverse musicians is their ability to strip funk down to its primal essence and use it as the foundation for their own excursions inward to the heart of Edo culture and outward to the furthest limits of sonic alchemy. The twelve tracks on Edo Funk Explosion Volume 1 pulse with raw inspiration, mixing highlife horns, driving rhythms, day-glo keyboards and tripped-out guitars into a funk experience unlike any other. Double LP pressed on 140g virgin vinyl comes with a full color 20-pages booklet CD comes with a full color 36-pages booklet
Sotomayor is the electronic music project with afro latin influence by siblings Raul (music production) and Paulina (vocals). It is a dance music project that fuses rhythms like cumbia, afro beat, dancehall, Peruvian "chicha" and merengue with futuristic electronic beats. The band debuted in 2015 with "Salvaje," an album that allowed them to perform in several festivals around the globe in countries like England, US, Mexico and Colombia. The album received excellent reviews from foreign media in countries like Japan, Australia, United Kingdom, Chile, United States and Colombia. They also appeared in more than 25 lists of the best of the year from medias from all around the world. 2020 will see the release of "Orígenes" their 3rd studio album trough the NY based label Wonderwheel Recordings. This album was recorded between Mexico and Puerto Rico, and was produced by the 28 times Grammy Winner Eduardo Cabra aka "Visitante" from the legendary band "Calle 13." In this production Sotomayor explores a new Afro Caribbean vision in the music, much more dance floor focused, and highly influenced by percussion.
‘GNAWA ELECTRIC LAUNE’ is the magical collaboration between Moroccan Gnawa-master (maâlem) Rabii Harnoune and Frankfurt electronic producer V.B.Kühl. Recorded at Achim Sauer’s 7V-Studio, collectively Rabii Harnoune & V.B. Kühl have produced an LP which represents entirely new territory, building a bridge from old to new, from Africa to Europe, and from to person to person. This melange of traditional North African Gnawa music and modern club sounds results in a fascinating debut, cross-cultural friction which is electric and otherworldly. “Traveller” (out 19th March) is the first offering from the album, a tale that belongs to the repertoire of “L’Bouhala”, a story which roughly translates as symbolism for multiculturism in Gnawa culture. “Traveller” is a Gnawa-club fusion track that feels equally at home on the dancefloor as it does in its core spiritual home. “The traveller is a character in the culture of Gnawa” Rabii explains, “who is travelling from tribe to tribe, from village to city, looking for experiences and knowledge, then sharing it by singing about it”. Gnawa music is among Morocco’s richest and oldest continuous traditions, dating back to pre-Islam. Rabii Harnoune joined the Kotab, a place where one can learn the teaching of the Quran, at the age of four. Growing up on a household diet of classical Arabic, Moroccan and Sufi music, Rabii was first introduced to Gnawa through his neighbour’s uncle who was a master in the genre. “Gnawa music was exclusively played by families whose parents came from Sub-Saharan or Central African tribes to Morocco in colonial times” Rabii explains, “it was rare to be able to listen to Gnawa music on radio, so I started to collect rare live recordings”. Rabii’s mastery at the Guembri, a three-string lute and Gnawa singing (a central aspect to the culture), would lead him to play world-class festivals in Essaouira, Fes, Marrakesh, and Casablanca – all spiritual centres for the genre. V.B.Kühl realised his own musical vision and ambition when he inherited his first ghettoblaster (boombox) and bought a four-track recorder: “rhythm is deep in me, and although music is not my profession, the passion never stopped”. V.B.Kühl caught the attention of DJ Shadow with two stellar remixes, which would later lead to commissioned remixes by Tru Thoughts for acts such as Anchorsong and Lakuta. V.B.Kühl and album co-producer Achim Sauer founded t&TT together, a DIY label that was used as a vehicle to release both artist solo projects. V.B.Kuhl and Achim first met Rabii while performing live at a house party of mutual friends. Rabii’s wish to release Gnawa music into the world lead to the trio collaborating and releasing ‘GNAWA ELECTRIC LAUNE’, twelve songs enriched with deep vibes and unstoppable grooves, an astonishing global mix of tradition and innovation. Supported by the likes of Pedo Knopp (Analog Africa), Tom Ravenscroft (BBC 6Music), Dom Servini (Soho Radio) and Moroccan stations such as Medi1 Radio, ChadaFM and Radio Aswat, Rabii Harnoune & V.B.Kühl continue the legacy of Jimi Hendrix, Robert Plant, Randy Weston and more recently Bonobo, Floating Points and James Holden – in bridging together two different worlds, of Gnawa and Western musicians.